ILBELLODELLARTEMOLTIPLICATA » 2008» Settembre

URS LUTHI

URS LÜTHI (KRIENS, 10 SETTEMBRE 1947) È UN FOTOGRAFO, PITTORE, E ARTISTA SVIZZERO. URS LÜTHI „AUTORITRATTO“, 2010
LÜTHI HA FREQUENTATO DAL 1963 AL 1964 LA SCUOLA DI ARTI APPLICATE DI ZURIGO. QUINDI HA LAVORATO COME GRAFICO ED ARTISTA FREELANCE. NEL 1966 SI È TENUTA LA SUA PRIMA MOSTRA PERSONALE PINKSIZE CON DIPINTI CON INFLUENZA POP ART NELLA GALLERIA BEAT MÄDER DI BERNA.
NEL 1969 È PASSATO ALLA FOTOGRAFIA E NEL 1970 HA RACCOLTO UN DISCRETO SUCCESSO ALLA GALERIE TONI GERBER DI BERNA CON UNA SERIE DI AUTORITRATTI ANDROGINI.
NEL 1980 HA INIZIATO A DIPINGERE DIPINTI DI GRANDI DIMENSIONI IN ACRILICO PER TROVARE IL PROPRIO LINGUAGGIO VISUALE. ALLA FINE DEGLI ANNI 80 È PASSATO ALLE INSTALLAZIONI D’ARTE. DAL 1994 È PROFESSORE ALLA KASSEL ART ACADEMY. DURANTE LA BIENNALE DI VENEZIA DEL 2001, TRASFORMÒ IL PADIGLIONE SVIZZERO INTITOLATO A “TRADEMARKS, LOW ACTION, GAME II, RUN FOR YOUR LIFE …” IN UN’INSTALLAZIONE DOVE SI PRESENTÒ, IRONICAMENTE, SDRAIATO NEL CENTRO DELLA STANZA, SORRIDENTE, VESTITO IN TUTA, CON SCARPE SPORTIVE E OCCHIALI DA SOLE.
LE SUE OPERE SONO VISIBILI IN NUMEROSI MUSEI, PER ESEMPIO, ALLA KUNSTHALLE DI AMBURGO, AL KUNSTMUSEUM DI BERNA ED AL CENTRO POMPIDOU NEL MUSEO NAZIONALE D’ARTE MODERNA DI PARIGI.

FRANCOIS MORELLET

ARTISTA FRANCESE (CHOLET, FRANCIA, 1926). AUTODIDATTA, HA COMINCIATO LA SUA CARRIERA ARTISTICA COME PITTORE DI PAESAGGI, NATURE MORTE E UNA SERIE DI STRANI E FANTASIONI QUADRI ISPIRATI A DIPINTI SU PELLE AUSTRALIANI. NEGLI ANNI CINQUANTA E SESSANTA È STATO TRA I PRIMI A INTERESSARSI, NELL’AMBITO DELL’OP ART (OPTICAL ART), A UN LAVORO ARTISTICO LA CUI CREAZIONE FOSSE PERFETTAMENTE RAZIONALE E AVESSE ALLA BASE UN SISTEMA GEOMETRICO. PUR SENZA NEGARE IL SUO APPROCCIO COSTRUTTIVISTA, NEGLI ANNI SUCCESSIVI MORELLET HA POI COMINCIATO A DIPINGERE IN MODO PIÙ LIBERO E IRONICO (LA SERIE DI PIÙ DI CENTO GEOMETRIE, ANNI OTTANTA). HA ESPOSTO TRA L’ALTRO AL CENTRE POMPIDOU DI PARIGI E GLI SONO STATE COMMISSIONATE OPERE PUBBLICHE DI TIPO ARCHITETTONICO. NEGLI ULTIMI ANNI SI È INTERESSATO MAGGIORMENTE ALLA SCULTURA. NEL COMPLESSO DEBIS DELLA NUOVA POTSDAMER PLATZ DI BERLINO È PRESENTE UNA SUA IMPONENTE INSTALLAZIONE NEON.

ANDY WARHOL

WARHOL ⟨U̯ÒOHOL⟩, ANDY (PROPRIAM. ANDREW WARHOLA). - PITTORE, GRAFICO E REGISTA STATUNITENSE (PITTSBURGH 1928 - NEW YORK 1987). PERSONALITÀ OSSESSIVA ED ECCENTRICA, FU TRA I PIÙ SIGNIFICATIVI ESPONENTI DELLA POP ART IMPONENDOSI, ANCHE COME PERSONAGGIO, NELLA SCENA ARTISTICA INTERNAZIONALE. NOTISSIME LE SUE SERIE SERIGRAFICHE DEDICATE AL CONCETTO DELLA RIPRODUCIBILITÀ E DELLA COMMERCIALIZZAZIONE DELL’ARTE.
VITAFIGLIO DI IMMIGRATI SLOVACCHI, DOPO GLI STUDI AL CARNEGIE INSTITUTE OF TECHNOLOGY NEL 1949 SI STABILÌ A NEW YORK, DOVE COMINCIÒ A LAVORARE COME GRAFICO PUBBLICITARIO OTTENENDO NUMEROSI RICONOSCIMENTI. NEL 1961 ESEGUÌ LE SUE PRIME SERIGRAFIE ISPIRATE AI FUMETTI, AI PRODOTTI COMMERCIALI E ALLE IMMAGINI TRATTE DAI MASS MEDIA CHE ELABORÒ IN SERIE, PORTANDO ALLE ESTREME CONSEGUENZE IL PRINCIPIO DELLA RIPRODUCIBILITÀ DELL’OPERA D’ARTE E DELL’ARTE COME PRODOTTO COMMERCIALE (CAMPBELL’S SOUP, RITRATTI DI MARILYN MONROE, ECC.). NEL SUO STUDIO, LUOGO D’INCONTRO PER ARTISTI E INTELLETTUALI, PROMOSSE EVENTI MULTIMEDIALI REGISTRATI IN FILMATI, PRELUDIO AL SUO VIVO INTERESSE PER LA FOTOGRAFIA E LA CINEMATOGRAFIA.
OPEREW. REALIZZÒ SIA LUNGOMETRAGGI DI MONOTONA STATICITÀ (SLEEP, 1963) SIA FILMATI CON UNA CERTA TENDENZA AL RACCONTO (CHELSEA GIRLS, 1966, PROIEZIONE CONTEMPORANEA DI DUE PELLICOLE SU SCHERMI DIFFERENTI; LONESOME COWBOYS, 1967; L’AMOUR, 1972; ANDY WARHOL’S BAD, 1977). DAL 1970 SI DEDICÒ PREVALENTEMENTE AI RITRATTI ELABORATI CON TECNICA FOTOSERIGRAFICA E MANIPOLATI CON PESANTI SEGNI, CHIAZZE DI COLORE E LARGHE PENNELLATE. TRA I SUOI SCRITTI: ANDY WARHOL INDEX BOOK (1967); THE PHILOSOPHY OF ANDY WARHOL (FORM A TO B AND BACK AGAIN) (1975; TRAD. IT. 1983); ANDY WARHOL’S PARTY BOOK (1988). PITTSBURGH OSPITA UN MUSEO A LUI DEDICATO (1994). NEL 2009 È STATO PUBBLICATO IN LINGUA ITALIANA AMERICA (1985), VIAGGIO NELLA TERRA DELLA CULTURA POP E LETTURA CRITICA DI VEZZI E TRASGRESSIONI DELL’AMERICA REAGANIANA.

ROBERT INDIANA

Robert Indiana (nato come Robert Clark New Castle, 13 settembre 1928) è un artista, scenografo e costumista statunitense, associato al movimento della Pop Art.
Indiana si trasferì a New York nel 1954 e si unì al movimento della Pop Art, usando caratteristici disegni di immagini per realizzare approcci di arte commerciale mescolati con l’esistenzialismo, che evolsero gradualmente verso ciò che Indiana chiama “poesie scultoree”. L’opera di Indiana spesso consiste di immagini audaci, semplici, iconiche, in particolare numeri e parole brevi come “EAT”, “HUG” e “LOVE”. È noto anche per aver dipinto lo straordinario campo da pallacanestro un tempo usato dai Milwaukee Bucks nel palazzetto dello sport di quella città, lo U.S. Cellular Arena, con una grande forma ad M che occupa le due metà del campo. La sua scultura nell’atrio del grattacielo Taipei 101, chiamata 1-0 (2002, alluminio), usa numeri multicolori per suggerire la conduzione del commercio mondiale e i modelli della vita umana.[1]
Indiana è stato scenografo e costumista teatrale, come nella produzione realizzata nel 1976 dalla Santa Fe Opera de La madre di tutti noi (The Mother of Us All) di Virgil Thomson, basata sulla vita della suffragetta statunitense Susan B. Anthony. Dopo gli attentati dell’11 settembre 2001, Indiana produsse una serie di Dipinti della pace (Peace Paintings), che furono esposti a New York nel 2004.
Indiana vive come residente nella città isola di Vinalhaven, Maine, dal 1978. Apparve nel film Eat (1964) di Andy Warhol, che consiste in un’unica ripresa da 45 minuti di Indiana che mangia un fungo.

PETER BLAKE

PITTORE BRITANNICO (N. DARTFORD 1932). ESPONENTE DELLA POP ART INGLESE. DAL 1953 AL 1956 HA FREQUENTATO IL ROYAL COLLEGE OF ART DI LONDRA, OVE HA INSEGNATO A PARTIRE DAL 1964. GLI IDOLI DELLE MASSE (E. PRESLEY, I BEATLES, ECC.) COSTITUISCONO UNA PARTE DELLA SUA TEMATICA DELL’IMMAGINE COSTRUITA DALLA PUBBLICITÀ, IN UNA TECNICA MISTA, CHE SFRUTTA IL RIPORTO FOTOGRAFICO INSIEME AI TRADIZIONALI MEZZI PITTORICI. È STATO UNO DEI FONDATORI, NEL 1975, DEL COLLETTIVO BROTHERHOOD OF RURALISTS, GRUPPO DI ARTISTI ACCOMUNATI DALLA PASSIONE VERSO I PRERAFFAELITI.

ANTONI TAPIES

DOPO AVER SOGGIORNATO A PARIGI E A NEW YORK, NEL 1948 FU TRA I PRIMI AD ADERIRE AL MOVIMENTO DAU AL SET, COME AGLI INIZI SI CHIAMAVA L’ARTE INFORMALE, FONDATO A BARCELLONA DAL POETA JOAN BROSSA. DAL 1955 PARTECIPA AL GRUPPO TAULL CON MODESTO CUIXART, JUAN JOSÉ THARRATS E JOSÉ GUINOVART.
NEL 1958 PRESENTÒ UNA RASSEGNA PERSONALE ALLA BIENNALE DI VENEZIA CHE GLI VALSE IL PREMIO UNESCO. NEL 1973 ESPONE AL MUSÉE D’ART MODERNE DI PARIGI E NEL 1977 ALL’ALBRIGHT-KNOX ART GALLERY DI BUFFALO. NEL 1981 A TÀPIES VIENE CONFERITA LA MEDAGLIA D’ORO PER LE BELLE ARTI DAL RE JUAN CARLOS I E NEL 1983 VIENE INSIGNITO DELLA MEDALLA D’OR DE LA GENERALITAT DE CATALUNYA.
A LONDRA VENNE INSIGNITO DELLA LAUREA HONORIS CAUSA DAL ROYAL COLLEGE OF ART.
NEL 1990 VENNE INAUGURATA LA FONDAZIONE ANTONI TÀPIES A BARCELLONA, CUI LAVORAVA GIÀ DA MOLTI ANNI CON DEDIZIONE.
È SCOMPARSO NEL 2012 ALL’ETÀ DI 88 ANNI.

ROBERT RAUSCHENBERG

RAUSCHENBERG, ROBERT. - PITTORE, NATO A PORT ARTHUR (TEXAS) IL 22 OTTOBRE 1925. TRA IL 1946 E IL 1947 STUDIA ALL’ISTITUTO D’ARTE DI KANSAS CITY E A PARIGI ALL’ACADÉMIE JULIAN. TORNATO NEGLI STATI UNITI, STUDIA AL BLACK MOUNTAIN COLLEGE (SUD CAROLINA) CON J. ALBERS E J. CAGE (1948), NEL 1950 È IN CONTATTO CON F. KLINE E R. MOTHERWELL. LA SUA PRIMA PERSONALE È DEL 1951, ALLA GALLERIA BETTY PERSON A NEW YORK. L’ANNO SUCCESSIVO ESPONE IN EUROPA: A ROMA (GALLERIA DELL’OBELISCO) E A FIRENZE, SUSCITANDO VIVACI POLEMICHE; ESPONE QUINDI CON SEMPRE MAGGIOR FREQUENZA NEGLI STATI UNITI. SI LEGA DAL 1958 ALLA GALLERIA LEO CASTELLI DI NEW YORK, DOVE PRESENTA QUELLI CHE EGLI STESSO DEFINÌ COMBINE-PAINTINGS, CHE ESPOSTI NELLO STESSO ANNO AL FESTIVAL DI SPOLETO DETTERO LUOGO A VIOLENTE REAZIONI. A PARTIRE DAL 1958 È COSTANTEMENTE PRESENTE NELLE PIÙ NOTE MANIFESTAZIONI ARTISTICHE A LIVELLO MONDIALE. PARTICOLARMENTE SIGNIFICATIVA LA SUA PRESENZA ALL’ESPOSIZIONE INTERNAZIONALE DEL SURREALISMO ORGANIZZATA DALLA GALLERIA DANIEL CORDIER A PARIGI (1959); ALLA MOSTRA LE NOUVEAU RÉALISME À PARIS ET À NEW YORK (PARIGI, GALLERIA RIVE DROITE, 1960) E ALLA GRANDE RASSEGNA THE ART OF ASSEMBLAGE (MUSEUM OF MODERN ART DI NEW YORK, 1961), ENTRAMBE IMPORTANTI PUNTI DI RIFERIMENTO PER IL NASCENTE NOUVEAU RÉALISME FRANCESE E PER IL NEW DADA AMERICANO. TRA LE PERSONALI DEI PRIMI ANNI DELLA SUA CARRIERA, QUELLA ALLA GALLERIA LEO CASTELLI DOVE NEL 1960 PRESENTÒ I SUOI DISEGNI PER ILLUSTRARE L’INFERNO DÌ DANTE, LA GRANDE RETROSPETTIVA AL JEWISH MUSEUM DI NEW YORK NEL 1965 E NELLO STESSO ANNO ALLA GALLERIA SONNABEND A PARIGI, CHE RAPPRESENTÒ IL SUO LANCIO IN EUROPA. NEL 1964 RICEVETTE IL GRAN PREMIO DELLA PITTURA ALLA BIENNALE DI VENEZIA; TRA LE MOSTRE PIÙ IMPORTANTI RICORDIAMO QUELLE AD AMSTERDAM, A COLONIA E A PARIGI (1968); AL MUSEO DI HANNOVER (1969); ALL’ART INSTITUTE DI CHICAGO E AL PALAIS DES BEAUX ARTS DI BRUXELLES (1971); AL WHITNEY MUSEUM OF ART DI NEW YORK E AL MUSÉE GALLIERA DI PARIGI (1973); AL MUSÉE DE ST. ÈTIENNE (1974), AL FORTE MICHELANGELO (1976).
LE PRIME OPERE IN CUI VENGONO USATI INSERTI DI OGGETTI TRIDIMENSIONALI NEL SUPPORTO DEL QUADRO DATANO ATTORNO AL 1953. MA È A PARTIRE DAL 1956 CHE TALE USO SI FA SISTEMATICO ATTRAVERSO I COMBINE-PAINTINGS, IN CUI LA PRESENZA DELL’OGGETTO DIVIENE IL PUNTO CENTRALE DELLA RICERCA. TALI ESPERIENZE (DIFESE DA R. ANCHE ATTRAVERSO NUMEROSE DICHIARAZIONI SULLA PROPRIA POETICA), FANNO DELLA SUA ARTE IL PIÙ SIGNIFICATIVO ESEMPIO DI CIÒ CHE VIENE DEFINITO IL NEW-DADA AMERICANO. CONTRO LA FINITEZZA FORMALE DELL’”OGGETTO MERCIFICATO” DELL’ARTE POP, VIENE PROPOSTO L’OGGETTO “VISSUTO” E DI SCARTO, VECCHIE CIANFRUSAGLIE CHE NON TROVANO POSTO NEL MONDO DEI CONSUMI, QUALE VEICOLO INTERPRETATIVO, IN CHIAVE IRONICA E DADAISTA, DELLA REALTÀ. DA QUI L’ASPETTO PROVOCATORIO DEI SUOI COMBINES: L’OMBRELLO SDRUCITO DI ALLEGORY (1959-60); LA SEDIA APPLICATA CONTRO IL QUADRO DI PILGRIM (1960), LA CAPRA IMPAGLIATA DI MONOGRAMMA (1959). DA TALI RICERCHE TROVA ORIGINE LA SUA COLLOCAZIONE SU UN PIANO DIVERSO MA PARALLELO A QUELLO DELLA POP ART. ROTTO IL RAPPORTO TRADIZIONALE CON LA PITTURA, ESSO VIENE RIPROPOSTO ATTRAVERSO UNA VIOLENTA CAPACITÀ DI “PERSONALIZZAZIONE” E D’INVENZIONE DEI PROPRI STRUMENTI ESPRESSIVI.
NEL 1962 INIZIÒ, PARALLELAMENTE AI COMBINES, L’USO DELLA SERIGRAFIA, USO CHE RESTÒ UNA COSTANTE IN TUTTA LA SUA OPERA SUCCESSIVA. NEGLI ANNI PIÙ RECENTI, LE SUE OPERE APPAIONO PIÙ SPOGLIE E IL MATERIALE USATO PIÙ SELEZIONATO E “POVERO”: COSÌ GLI ULTIMI ASSEMBLAGES DI SCATOLE DA IMBALLAGGIO PRESSOCHÉ MONOCROME (EARLY EGIPTIAN SERIES DEL 1973), E LE RECENTI SERIGRAFIE, DOVE È ABBANDONATO IL CROMATISMO PER UNA RIGOROSA MONOCROMIA.

ENRICO BAJ

ENRICO BAJ FREQUENTA L’ACCADEMIA DI BRERA E NEL 1951 FONDA CON SERGIO DANGELO IL MOVIMENTO PER L’ARTE NUCLEARE. ALLACCIA RAPPORTI CON ARTISTI STRANIERI QUALI JORN, JAGUER, KLEIN E CON GLI ARTISTI DEL “MANIFESTE DE NAPLES” DEL 1959, PROMUOVE IL FORMARSI DELL’AVANGUARDIA ARTISTICA NELL’ITALIA MERIDIONALE.
ALLA METÀ DEGLI ANNI CINQUANTA ABBANDONA IL LINGUAGGIO INFORMALE PER ADOTTARE LA TECNICA DI DERIVAZIONE DADAISTA DEL COLLAGE POLIMATERICO, UTILIZZANDO CON INTENTI DISSACRATORI OGGETTI E SCARTI DELLA VITA QUOTIDIANA. STABILISCE CONTATTI CON I NOUVEAUX RÉALISTES FRANCESI E CON DUCHAMP, BRETON ED ERNST, CHE LO SPINGONO AD UNA RISCOPERTA DEL SURREALISMO.
NEL 1962 FONDA L’ISTITUTO PATAFISICO MILANESE E NEGLI ANNI SEGUENTI RAFFORZA SIA L’IMPEGNO POLEMICO CHE LA COMPLESSITÀ TECNICA E ICONOGRAFICA DELLE SUE OPERE.MUORE NELLA SUA CASA DI VERGIATE NEL 2003.

MICHELANGELO PISTOLETTO

MICHELANGELO PISTOLETTO NASCE A BIELLA NEL 1933. INIZIA A ESPORRE NEL 1955 E NEL 1960 TIENE LA SUA PRIMA PERSONALE ALLA GALLERIA GALATEA DI TORINO. LA SUA PRIMA PRODUZIONE PITTORICA È CARATTERIZZATA DA UNA RICERCA SULL’AUTORITRATTO. NEL BIENNIO 1961-1962 APPRODA ALLA REALIZZAZIONE DEI QUADRI SPECCHIANTI, CHE INCLUDONO DIRETTAMENTE NELL’OPERA LA PRESENZA DELLO SPETTATORE, LA DIMENSIONE REALE DEL TEMPO E RIAPRONO INOLTRE LA PROSPETTIVA, ROVESCIANDO QUELLA RINASCIMENTALE CHIUSA DALLE AVANGUARDIE DEL XX SECOLO. CON QUESTI LAVORI PISTOLETTO RAGGIUNGE IN BREVE RICONOSCIMENTO E SUCCESSO INTERNAZIONALI, CHE LO PORTANO A REALIZZARE, GIÀ NEL CORSO DEGLI ANNI SESSANTA, MOSTRE PERSONALI IN PRESTIGIOSE GALLERIE E MUSEI IN EUROPA E NEGLI STATI UNITI. I QUADRI SPECCHIANTI COSTITUIRANNO LA BASE DELLA SUA SUCCESSIVA PRODUZIONE ARTISTICA E RIFLESSIONE TEORICA.
TRA IL 1965 E IL 1966 PRODUCE UN INSIEME DI LAVORI INTITOLATI OGGETTI IN MENO, CONSIDERATI BASILARI PER LA NASCITA DELL’ARTE POVERA, MOVIMENTO ARTISTICO DI CUI PISTOLETTO È ANIMATORE E PROTAGONISTA.
A PARTIRE DAL 1967 REALIZZA, FUORI DAI TRADIZIONALI SPAZI ESPOSITIVI, AZIONI CHE RAPPRESENTANO LE PRIME MANIFESTAZIONI DI QUELLA “COLLABORAZIONE CREATIVA” CHE PISTOLETTO SVILUPPERÀ NEL CORSO DEI DECENNI SUCCESSIVI, METTENDO IN RELAZIONE ARTISTI PROVENIENTI DA DIVERSE DISCIPLINE E SETTORI SEMPRE PIÙ AMPI DELLA SOCIETÀ. TRA IL 1975 E IL 1976 REALIZZA ALLA GALLERIA STEIN DI TORINO UN CICLO DI DODICI MOSTRE CONSECUTIVE, LE STANZE, IL PRIMO DI UNA SERIE DI COMPLESI LAVORI ARTICOLATI NELL’ARCO DI UN ANNO, CHIAMATI “CONTINENTI DI TEMPO”, COME ANNO BIANCO (1989) E TARTARUGA FELICE (1992). NEL 1978 TIENE ALLA GALLERIA PERSANO DI TORINO UNA MOSTRA NEL CORSO DELLA QUALE PRESENTA DUE FONDAMENTALI DIREZIONI DELLA SUA FUTURA RICERCA E PRODUZIONE ARTISTICA: DIVISIONE E MOLTIPLICAZIONE DELLO SPECCHIO E L’ARTE ASSUME LA RELIGIONE. ALL’INIZIO DEGLI ANNI OTTANTA REALIZZA UNA SERIE DI SCULTURE IN POLIURETANO RIGIDO, TRADOTTE IN MARMO PER LA MOSTRA PERSONALE DEL 1984 AL FORTE DI BELVEDERE DI FIRENZE. DAL 1985 AL 1989 CREA LA SERIE DI VOLUMI “SCURI” DENOMINATA ARTE DELLO SQUALLORE. NEL CORSO DEGLI ANNI NOVANTA, CON PROGETTO ARTE E CON LA CREAZIONE A BIELLA DI CITTADELLARTE-FONDAZIONE PISTOLETTO E DELL’UNIVERSITÀ DELLE IDEE, METTE L’ARTE IN RELAZIONE ATTIVA CON I DIVERSI AMBITI DEL TESSUTO SOCIALE AL FINE DI ISPIRARE E PRODURRE UNA TRASFORMAZIONE RESPONSABILE DELLA SOCIETÀ. NEL 2003 È INSIGNITO DEL LEONE D’ORO ALLA CARRIERA ALLA BIENNALE DI VENEZIA. NEL 2004 L’UNIVERSITÀ DI TORINO GLI CONFERISCE LA LAUREA HONORIS CAUSA IN SCIENZE POLITICHE. IN TALE OCCASIONE L’ARTISTA ANNUNCIA QUELLA CHE COSTITUISCE LA FASE PIÙ RECENTE DEL SUO LAVORO, DENOMINATA TERZO PARADISO. NEL 2007 RICEVE A GERUSALEMME IL WOLF FOUNDATION PRIZE IN ARTS, “PER LA SUA CARRIERA COSTANTEMENTE CREATIVA COME ARTISTA, EDUCATORE E ATTIVATORE, LA CUI INSTANCABILE INTELLIGENZA HA DATO ORIGINE A FORME D’ARTE PREMONITRICI CHE CONTRIBUISCONO AD UNA NUOVA COMPRENSIONE DEL MONDO”.

JIM DINE

NATO NEL 1935 A CINCINNATI NELL’ OHIO. HA STUDIATO ALL’UNIVERSITÀ DI CINCINNATI E ALL’ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI BOSTON, NEL MASSACHUSETTS , DAL 1953 AL 1957. NEL 1957 HA RICEVUTO IL DIPLOMA DI LAUREA IN BELLE ARTI DALL’UNIVERSITÀ DELL’OHIO AD ATENE.SI È TRASFERITO A NEE YORK NEL 1959. HA MESSO IN SCENA IL SUO PRIMO HAPPENING CON CLAES OLDENBURG ED ALLAN KAPROW, ALLA JUDSON GALLERY DI NEW YORK. HA REALIZZATO LA SUA PRIMA MOSTRA PERSONALE ALLA REUBEN GALLERY DI NEW YORK. TRA IL 1960 E IL 1965 HA INSEGNATO IN MOLTE UNIVERSITÀ TRA LE QUALI YALE, NEW HEAVEN E OBERLIN COLLEGE, NELL’OHIO. HA PARTECIPATO ALLA BIENNALE DI VENEZIA NEL 1964,E A DOCUMENTA 4 A KASSEL NEL 1968. DAL 1959 AL 1960, È STATO UN PIONIERE DELL’HAPPENING, PERFORMANCE CHE PRENDONO SPUNTO DALLE RAPPRESENTAZIONI TEATRALI. NEI SUOI PRIMI LAVORI, DINE HA CREATO PER PER LO PIÙ DEGLI ASSEMBLAGGI , NEI QUALI GIUSTAPPONEVA OGGETTI REALI ALLA TELA.

DINE È CONSIDERATO APPARTENENTE AL MOVIMENTO ARTISTICO DEL NEO DADAISMO E SUCCESSIVAMENTE DELLA POP ART AMERICANA.

DALL’INIZIO DEGLI ANNI ’70, I DIPINTI AD OLIO DI DINE, LE STAMPE (PROBABILMENTE I LAVORI CHE EBBERO MAGGIOR SUCCESSO, GENERALMENTE SEMPLICI RAPPRESENTAZIONI DI ATTREZZI, VESTITI, ECT..) E I DISEGNI SONO DIVENTATI.

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